Мой электронный адрес
В каждой из стран Европы наблюдались свои особые политические, социальные условия, существовали особые национальные традиции, это сказалось и на архитектуре. В Италии новый стиль заявил о себе уже в конце 16-начале 17 века, в Бельгии, Австрии и на юге Германии – в 18 веке, В России – ближе к середине 18 столетия. Голландия, страны Скандинавии, Северная Германия остались равнодушны к пышному барокко. В каждой из стран барокко приобретало свои особые национальные черты. В итальянской архитектуре барочная стилистическая характеристика распространялась и на внешний, и на внутренний облик зданий. Во французской — наблюдалось значительное расхождение между фасадным и внутренним убранством сооружений, в первом преобладали классицистические начала, во втором — барочные. В английской архитектуре стиль выступает как своеобразный оттенок, акцент классицизма; здесь можно говорить скорее об «обароченном» классицизме, чем о барокко как таковом. Но все же были общие черты, характерные для барокко
1.
Особенности барочной архитектуры.
Самые значительные перемены коснулись оформления
фасадов зданий. На смену согласованности и пропорциональности приходят диссонанс
и асимметрия. Глядя на фасад, перестаешь понимать, где же находится стена –
главная опора здания. Плоские пилястры уступают место колоннам и
полуколоннам. Установленные на высокие пьедесталы, они то собираются в
группы, образуя пучки, то «разбегаются» вдоль фасада, вознося к небу замершие в
беспокойном движении статуи на балюстраде крыши. Размеры порталов,
дверей и окон стали превышать всякие разумные границы. Фронтоны и наличники
приобрели богатые украшения в виде причудливых завитков, картушей, гирлянд
из листьев, трав и человеческих фигур. От спокойной ясности ренессанса,
казалось, не осталось и следа.
«
Для барокко характерна сложность не только архитектурной пластики, но и
пространственных построений. Если в Ренессансе планы помещений имеют четкую
геометрическую форму – круг, квадрат, прямоугольник, то излюбленная форма барокко – овал, дающий некоторую
неопределенность общей форме пространственного объема. Часто конфигурация плана
очерчена прихотливыми изгибами линий, выпуклостями и вогнутостями стен,
усложнена дополнительными примыканиями соседних соподчиненных объемов… В
архитектуре барокко возобладали неумеренная декоративность, тяжеловесная
роскошь. Причудливые формы, обилие скульптуры, использование насыщенного
цвета и позолоты должны были усиливать выразительность архитектуры,
производить впечатление богатства и парадности» (А.Ф.Гольдштейн).
Пилястры – плоский вертикальный выступ
прямоугольного сечения на поверхности стены или столба. Пилястра имеет те же
части (ствол, капитель, база) и пропорции, что и колонна; служит для членения
плоскости стены.
Картуши – украшение в виде щита или
полуразвернутого свитка, на котором изображены герб, эмблема, надпись
Фронтон
- завершение (обычно треугольное) фасада здания, портика, колоннады,
ограниченное двумя скатами крыши по бокам и карнизом у основания.
Вопрос:
Назовите характерные черты стиля барокко, которые нашли отражение в
архитектуре.
I.
Архитектурные
ансамбли Рима.
Наиболее полно новые черты архитектуры
барокко проявились в памятниках «вечного города» Рима, по масштабам
строительства с которым не мог соперничать ни один город Италии. Здесь самым
невероятным образом переплетались строгая Античность и роскошное барокко. Известный историк искусства П.П.Муратов так писал
об этом в книге «Образы Италии»:
«Надо искать в Риме Рим
античный, христианский, средневековый, Рим Возрождения. Но Рим барокко искать
нечего – это до сих пор тот Рим, который прежде всего узнает каждый из нас. Все
то, что определяет характер города, - его наиболее заметные здания, главные
площади, оживленные улицы, - все это здесь создано барокко, и все хранит его
печать».
Характерные черты итальянского барокко нашли
наиболее яркое воплощение в творчестве двух зодчих, создавших целую эпоху в
развитии архитектуры, - Франческо Борромини и Лоренцо Бернини.
В создании криволинейных,
изгибающихся поверхностей и прихотливых геометрических сочетаний Франческо
Борромини не знал равных. Церковь Сант Аньезе на площади Навона в Риме
– одно из лучших творений архитектора. Плавно изгибающийся фасад церкви
украшает величественный купол, помещенный на высоком барабане. Стены церкви как
будто растворяются в игре светотени, в выступах и проемах.
Борромини по возможности избегает прямых линий — вертикальных или горизонтальных, а также прямых углов. Предпочтение отдается сложным изогнутым планам. Не менее эффективен и интерьер собора Сан-Карло алле Куатро Фонтане, отличающийся изощренностью лепных украшений, многокрасочностью декоративных росписей, цветных мраморных колонн.
Характерные
черты итальянского барокко нашли наиболее яркое воплощение в творчестве Лоренцо
Бернини, который олицетворяет собой целую эпоху в развитии архитектуры. В
25 лет он уже стал знаменитостью, работал над формированием архитектурного
облика Рима, выполнял бесчисленные заказы Ватикана. Современников поражали
грандиозность замыслов и смелость их осуществления, необычайная работоспособность
и тонкий художественный вкус великого мастера по праву названного «гением
барокко».
Главным
архитектурным творением Лоренцо Бернини стало оформление площади перед
собором Святого Петра. Архитектору предстояло решить сразу несколько
задач: создать торжественный подход к главному храму католического мира,
добиться впечатления единства площади и собора. Пространство перед храмом он
превратил в единый ансамбль из двух площадей. Первая - в форме трапеции, а
вторая в излюбленной форме барокко – овале. Она обращена к городу и обрамлена
величественной колоннадой, которая легко и изящно охватывала площадь.
Монументальные колонны, высота которых 19 метров, расположены в четыре ряда.
Все они объединены изгибающейся линией балюстрады, на которой установлены 96
статуй святых.
В центре огромной площади (ее глубина 280 м) возведен обелиск, по обеим сторонам которого расположены два фонтана, фиксирующие ее поперечную ось.
Немало потрудился Лоренцо Бернини и над созданием
внутреннего архитектурного облика Собора Святого Петра.
Со 2-й половины 1650-х гг.
Бернини вновь работает в соборе Святого Петра, создает здесь бронзовую «кафедру
св. Петра» (1656-1665), украшенную статуями отцов Церкви и ангелов.
.
Архитектура
Петербурга и его окрестностей.
1.
Особенности
русского барокко.
Барокко в России развивалось особым путем.
Оно было связано с традициями русского зодчества XVII столетия и в петровское
время обогатилось в результате воздействия со стороны западноевропейского
строительства. Расцвет стиля падает на 40—50-е годы XVIII века, то есть на тот
период, когда на Западе отмечается уже угасание поздней стадии барокко, так
называемого стиля рококо, и отмечается переход к классицизму. Стиль рококо по
существу в русской архитектуре не нашел применения.
Русское
барокко зрелого периода несет на себе печать подлинного национального стиля.
Решение планов и объемных композиций зданий отличается большой простотой и
структурностью, тесным смыканием внутренних и внешних объемов сооружений.
Декоративные элементы в основном ограничиваются внешним, облицовочным «слоем»
построек. Эти элементы включают преимущественно архитектурные мотивы и
орнаментальную лепку.
В
отличие от западноевропейской архитектуры, фасады монументальных сооружений
облицовывались не камнем, а штукатуркой с гипсовыми деталями, что содействовало
усилению пластического начала, а также позволяло применять окраску. Яркие,
контрастные колеры: синий, лазурно-голубой с белым, желтый с белым и другие,
при одновременном введении позолоты и белой жести для кровельных покрытий — все
это придавало зданиям особый яркий, мажорный, оптимистический колорит и
характер, отвечавший традициям русского национального зодчества.
2.
Творчество
Ф.Б.Растрелли
Самые яркие творения барокко были
сосредоточены в новой столице Российского государства – Санкт-Петербурге.
Значительный
вклад в развитие национальной архитектуры внес Варфоломей Варфоломеевич (Бартоломео Франческо) Растрелли (1700-1771) – сын
скульптора Б.К.Растрелли, итальянец по происхождению, родившийся во Франции.
Получив образование за границей, он затем работал только в России, ставшей его
второй родиной. Все, что было им
построено в России, вызывало восхищение
и восторженные оценки современников. Поэт А.Д.Кантемир (1708-1744) писал о
творениях выдающегося зодчего:
«Граф Растрелли… искусный
архитектор. Инвенции его в украшении великолепны, вид здания его казист, одним
словом, может увеселиться око в том, что он построил».
Лучшие
произведения Растрелли – дворцы в пригородах Санкт-Петербурга – Петергофе и Царском Селе , дворцы Строганова и Воронцова,
собор Смольного монастыря и Зимний дворец в Санкт-Петербурге.
Собор Смольного монастыря был заказан мастеру императрицей Елизаветой
Петровной. Традиционное русское пятиглавие, воплощенное в вычурных формах
барокко, здесь органично сливалось с основным объемом здания. Средняя глава
собора представляет собой высокий двусветный купол, увенчанный луковичной
главкой на световом барабане. Четыре угла в виде высоких двухэтажных башен,
почти вплотную прижатые к центральному куполу, придают пятиглавию удивительную
монолитность и мощь. Уже после смерти Растрелли другой выдающийся архитектор –
представитель раннего классицизма Джакомо Кваренги – всякий раз проходя мимо
Смольного собора почтительно снимал шляпу и восклицал: «Вот это церковь!»
Самое блестящее творение Растрелли, украшающее
центр города на Неве, - Зимний дворец, в котором в
наше время расположен всемирно известный художественный музей Эрмитаж.
Архитектура Зимнего дворца – это настоящий гимн эпохе русского барокко. Фасад,
выходящий на набережную Невы, был рассчитан на обозрение издали. Фасад, выходящий
к Адмиралтейству, ориентирован на парадную Дворцовую площадь, обращенную к
городу. Дворец имел более 1050 помещений и комнат, 1886 дверей, 1945 окон и 177
лестниц. Общая протяженность фасадов дворца составляет 210 м!
Главный подъезд был
расположен в северном корпусе: к нему торжественно подъезжали кареты
императрицы и ее гостей. Через огромную галерею они поднимались по ослепительно
прекрасной Посольской лестнице с верхней площадки которой открывался вход в
парадные залы дворца.
Изобразительное искусство
Изобразительное искусство
барокко наиболее ярко и выразительно представлено декоративной
монументальной живописью покорявшей и ослеплявшей современников своим
праздничным блеском, накалом страстей, неукротимой энергией и динамикой. Пышные
композиции украшали стены и потолки (плафоны) дворцов и храмов, загородных
резиденций знати и парковых павильонах.
В живописи эпохи барокко кристаллизуются жанры (пейзаж, портрет, натюрморт) — в своем самом определившемся виде — в Голландии. Крупнейшими живописцами барокко были: Рубенс и Ван Дейк во Фландрии, Халс и Рембрандт в Голландии, Гверчино, Пьяцетта, Лука Джордано, Алессандро Маньяско, Гварди, Тьеполо в Италии, Маульберч в Австрии и др.
Живопись отличатся красочностью, декоративностью,
эффектами светотени. Большое значение
приобрели эмоциональное ритмическое и колористическое единство целого,
непринуждённая свобода мазка. В изобразительном искусстве барокко идеализация
образов сочетается с неожиданными композиционными и оптическими эффектами,
реалистичность с фантазией, религиозность с подчёркнутой чувственностью.
Рубенс Питер Пауль 1577-1640, фломандский живописец, рисовальщик. Глава фломандской школы живописи барокко. Его живописи присуща уверенная свободная манера, выразительная пластическая лепка, точность красочных градаций.
С 1589 жил в Антверпене, где
получил всестороннее гуманитарное образование. Рано посвятив себя живописи,
учился (с 1591) у Тобиаса Верхахта, Адама ван Ноорта, Отто ван Веениуса. В
1600-1608 Рубенс побывал в Италии, где изучал произведения Микеланджело,
живописцев венецианской школы, Караваджо. Вернувшись в Антверпен, Рубенс занял
место главного придворного живописца правительницы Фландрии инфанты Изабеллы
Австрийской. Уже в его первых после возвращения картинах проявилось стремление
к переработке итальянских впечатлений в духе национальных художественных
традиций. Созданные им в начале 1610-х годов монументальные религиозные
композиции отмечены характерными для живописи барокко театральностью композиции,
драматизмом, бурным движением, яркими цветовыми контрастами. Вместе с тем в них
уже угадываются черты полнокровного, жизнеутверждающего реализма, полностью
раскрывшегося в последующем творчестве
художника.
Картина «Автопортрет с женой Изабеллой Брант». Тогда же Рубенс выполнил несколько парадных портретов в духе нидерландских традиций 16 века (“Автопортрет с женой Изабеллой Брант”, 1609, Старая пинакотека, Мюнхен), отличающихся интимной простотой композиции, любовной тщательностью воссоздания облика модели и нарядных одеяний, сдержанным изысканным колоритом. Посмотрите на его портрет и вы поймете, насколько талантлив был этот начинающий художник. Красивое лицо Рубенса спокойно и преисполнено чувства собственного достоинства. Модный, щегольской костюм с широким кружевным воротником, шляпа с высокой тульей и металлической брошкой, кожаные туфли с изящными подвязками подчеркивают его аристократичность и тонкий художественный вкус. Он сидит с молодой женой в беседке, увитой зеленью и цветущей жимолостью. С видом ласкового покровительства он слегка склонился к жене, его рука опирается на шпагу. Выразительные глаза обращены прямо к зрителю, их бесконечно добрый взгляд полон тихого и безмятежного счастья. Две склоненные друг к другу фигуры, красноречивый жест соединенных рук символизируют внутреннее согласие и любовь.
В 1612-1620 складывается
зрелый стиль Рубенса. Обращаясь к темам, почерпнутым из Библии и античной
мифологии, художник трактовал их с исключительной смелостью и свободой. Фигуры
людей, античных божеств, животных, изображенные на фоне цветущей и плодоносящей
природы или величественной фантастической архитектуры сплетаются в картинах
Рубенса в сложные композиции, то гармонически уравновешенные, то пронизанные
буйной динамикой. Со страстным “языческим” жизнелюбием Питер Пауль Рубенс
воссоздает полнокровную красоту обнаженного человеческого тела, воспевает чувственную
радость земного бытия.
Картина «Снятие с креста». Немало прекрасных полотен
создано Рубенсом на темы Священного писания. Одно из лучших его произведений –
алтарная картина «Снятие с креста», блестяще описанная французским писателем,
художником и искусствоведом Э. Фромантеном В книге «старые мастера»:
«…здесь страдание
представлено благородное и величаво-тихое. Тут все сдержанно, сжато, лаконично, как на страницах Священного
Писания. Ни искривленных тел, ни криков, ни мук, ни лишних слез. Христос – одна
из наиболее прекрасных фигур. В нем неуловимо гибкое, утонченное изящество,
передающее мягкость тела и изысканность. …Обратите особое внимание на то, как
осторожно его поддерживают, как бессильно изогнуто оно, покрытое длинным
саваном, с какой любовью и тоской принимают его себе на руки женщины. Есть что
– нибудь более трогательное?»
Картина «Союз Земли и Воды». Рубенс никогда не замыкался
в рамках одного жанра живописи. Он писал многочисленные картины-аллегории,
посвященные важнейшим проблемам современной жизни, обращался к древним античным
мифам, наполняя их содержание глубоким символическим смыслом.
В этой аллегорической
картине прославляет союз двух природных стихий, без которых невозможна жизнь
человека. Землю олицетворяет мать богов Кибелла, воду — бог морей Нептун. На
границе своих владений они заключают союз, который освящает крылатая богиня
Виктория, возлагающая золотую корону на голову Кибеллы. Из-под скалы навстречу
зрителю выплывает трубящий приветствие тритон. Очаровательные путти веселятся и
играют в потоках льющейся воды. Эта картина заключала в себе глубокий смысл,
связанный с надеждой Рубенса на скорейшее процветание родины. После разделения
Нидерландов на Северные и Южные Фландрия потеряла выход к морю и,
следовательно, лишилась выгодных торговых морских путей. Союз двух природных
стихий — Земли и Воды — это надежда на установление мира, мечта художника о
союзе Фландрии с морем.
В 1609 году Рубенс был назначен придворным живописцем, а это в свою очередь поднимало его престиж в обществе и открывало путь к свободному творчеству. В заказах не было недостатка, число поклонников его таланта постоянно росло. Не имея возможности быстро выполнять многочисленные заказы, Рубенс создал огромную мастерскую, куда стекались лучшие молодые художники Фландрии, среди которых были знаменитые Антонис Ван Дейк (1599—1641), Якоб Йордане (1593—1678) и Франс Снейдерс (1579—1657)
Скульптура
Скульптура барокко отличается патетикой
жестов, выразительностью ракурсов, сочной пластикой, живописной текучестью формы,
ощущением изменчивости образа. Скульптурные произведения в этом процессе
размягчения превращаются как бы в живописные импровизации.
Бернини Джованни Лоренцо 1598-1680, итальянский художник, виртуоз скульптуры и архитектуры, один из законодателей вкуса эпохи барокко.
Джованни Лоренцо Бернини (7
декабря 1598, Неаполь — 28 ноября 1680, Рим)
Бернини переехал в Рим в
1605 году. Ему было 8 лет, когда он сделал набросок головы Святого Петра.
Рисунок был настолько идеален, что публика назвала мальчика «вторым
Микеланджело». В 16 лет он создал скульптуру «Мученичество св. Лаврентия».
Увидев эту скульптуру кардинал Скопион Боргезе решил сделать Джованни своим
личным скульптором. Он попросил его построить виллу, где кардинал собирался
жить. Папа Григорий XV посвятил его в рыцари, а папа Урбан VIII сделал его
своим другом. Бернини занимался также рисованием и драматургией. В 1624 году,
Бернини был избран для строительства купола церкви святого Петра. Позже Лоренцо
было заказано установить две колокольни на церковь Святого Петра. Сперва была
идея создать маленькие колокольни, но неопытный Бернини решил сделать башни
побольше. Церковь стояла на болотистой почве и это было очень рискованно. В
июле 1641 года он представил свою первую башню. Через два месяца появились
трещины. Бернини сильно переживал и перестал есть. Трещины увеличивались. 23
февраля 1646 года в Ватикане была собрана была собрана комиссия, которая должна
была решить судьбу башен Бернини. Папа принял решения уничтожить башни. Уничтожение
заняло 11 месяцев. Видя это, Бернини тяжело переживал. Он стал получать заказы
от низких слоев общества. Шанс восстановить доброе имя ему дал знатный кардинал
Карнало, который заказал ему скульптуру Святой Терезы. Бернини создает «Экстаз
святой Терезы». Работа понравилась кардиналу. Интерес к Бернини вновь вырос.
Скульптура «Экстаз святой Терезы» посвящена святой Терезе, испанской монахине и католической святой, жившей в XVI веке. В одном из писем святая Тереза рассказала, как однажды во сне «к ней явился ангел в плотском образе» и пронзил ей сердце золотой стрелой с огненным концом, отчего она испытала «сладостную муку». Бернини воплотил это мистическое видение в мраморе.
Скульптуры, выполненные из
белого каррарского мрамора, расположены в алтарной нише среди колонн из
цветного мрамора, на фоне позолоченных бронзовых лучей, которые символизируют
божественный свет. Святая Тереза погружена в состояние духовного озарения,
запрокинув голову, охваченная томлением святая лежит на облаках, стоящий рядом
ангел направляет в ее сердце золотую стрелу.
Скульптура «Давид». Первой зрелой скульптурной работой Бернини
стал «Давид» (1623 г.). Согласно Библии, юноша-пастух Давид (будущий царь
Иудеи) победил в поединке великана Голиафа, сильнейшего воина армии филистимлян
— народа, воевавшего с иудеями.
В отличие от своих
предшественников Бернини показал сам поединок Давида с Голиафом, а не
подготовку к нему и не его финал. Давид резко разворачивается, чтобы метнуть
камень из пращи в голову противника. Ноги широко расставлены, лицо отражает
мрачный азарт битвы: брови сдвинуты, нервно закушена нижняя губа, на лбу
пролегли глубокие складки. Бернини превратил своего Давида в некий символ
Божественного правосудия.
Скульптура «Похищение Прозерпины». Легенда гласит, что была у
богини Деметры юная прекрасная дочь, Прозерпина. Отцом Прозерпины был
громовержец Зевс. Однажды Прозерпина вместе со своими подругами резвилась в
цветущей долине. Не знала она, какая судьба ей уготована отцом её Зевсом. Он
отдал её в жены мрачному своему брату Плутону, властителю царства теней и
умерших, и с ним должна была жить Прозерпина во мраке подземного царства.
Плутон видел, как резвилась Прозерпина, и решил её тут же похитить. Он упросил
богиню Гею вырастить цветок необыкновенной красоты. Прозерпина увидала цветок и
протянула к нему руку. Но только сорвала она цветок, как разверзлась земля, и
появился мрачный Плутон на золотой колеснице. Он схватил юную Прозерпину и
скрылся в недрах земли. Только вскрикнуть успела Прозерпина. Никто не видел,
как похитил Плутон девушку, лишь бог солнца – Гелиос.
Услыхала крик Прозерпины Деметра. Стала всюду искать она свою дочь, но нигде не
нашла. Спрашивала подруг, но никто не видел её. Тяжкая скорбь об утрате единственной
дочери овладела сердцем Деметры. Девять дней блуждала она по земле, проливая
слезы и разыскивая свою дочь. На десятый день пришла она к богу Гелиосу и стала
молить его, чтобы он сказал, кто похитил Прозерпину. Гелиос обо всем рассказал
скорбящей матери. Разгневалась Деметра, что Зевс отдал Прозерпину в жены
Плутону без её ведома. Она покинула Олимп и приняла вид простой смертной.
Но Деметра была богиней плодородия, и без неё всякий рост на земле прекратился.
Листья на деревьях завяли и облетели, травы поблекли, цветы засохли. Не было
плодов в садах, и не зрели в виноградниках тяжелые сочные гроздья. Замерла
жизнь на земле. Гибель грозила всему людскому роду.
Ничего не оставалось Зевсу, как повелеть Плутону отпустить Прозерпину на землю
к матери. Плутон согласился отпустить Прозерпину, но предварительно дал ей
проглотить зерна граната, символ брака. С тех пор Прозерпина две трети года
живет с матерью, а одну треть проводит со своим мужем, Плутоном.
Скульптура «Экстаз блаженной Людовики Альбертони»
Статуя расположена в капелле
Палуцци-Альбертони в римской церкви Сан-Франческо-а-Рипа. Это последняя работа
71-летнего Джованни Лоренцо Бернини, создана в 1674 году по заказу кардинала
Плуазье. Кардинал являлся дальним родственником Людовики, канонизированной в
1671 году. Умирающая возлежит на ложе, укутанная в одежды, в состоянии
религиозного экстаза, ожидая нисхождения Святого Духа. Скульптура выполнена из
мрамора разных цветов: фигура из белого мрамора, покрывало из красного с белыми
прожилками.
«Фонтан четырех рек». В 1644 г. папа Иннокентий X решил возвести рядом с семейным дворцом Памфили египетский обелиск, привезённый в Рим императором Каракаллой. Был объявлен конкурс на лучший проект, однако великий Бернини не был допущен к участию из-за происков недругов. Несмотря на это, Бернини подготовил проект фонтана, предусматривавший размещение вокруг обелиска статуй речных богов главных рек четырёх частей мира (Нила, Ганга, Дуная и Ла-Платы). Его покровитель Людовизи, будучи женат на племяннице папы, поставил макет фонтана в столовой, где тот обедал. Иннокентий был поражён неслыханной дотоле гармонией скульптуры и архитектуры, отменил конкурс и велел Бернини без промедления заняться сооружением фонтана. питается водой из древнего акведука Аква Вирго.
Фонтан «Тритон». Этот фонтан расположен на площади Барберини, недалеко от палаццо Барберини. Фонтан был сделан в 1642 году по заказу папы Урбана VIII (Барберини) вскоре после завершения строительства палаццо.
Постамент фонтана образуют 4
дельфина, на кончиках хвостов которых располагается огромная раковина. На
раскрытых створках этой раковины находится статуя Тритона, сына бога Посейдона.
Тритон выдувает из раковины струю воды, которая наполняет чашу фонтана. Между
дельфинами расположены изображения герба семьи Барберини, папской тиары.
XVII-XVIII века – это время возникновения и развития в искусстве реалистических тенденций: объективности в передаче видимого, точности, конкретности, непредвзятости восприятия жизни, отсутствия идеализации, внимания к простонародным типам, глубокого, прочувствованного восприятия быта и природы, простоты и естественности в передаче человеческих чувств = реализм.
Рембрант Харменс ван Рейн (1606-1669) (запись в тетрадь)
Величайший
голландский художник. Он оставил потомкам огромное художественное наследие:
около восьмисот картин и портретов, трёхсот офортов и двух тысяч рисунков.
Каждое из его
произведений – свидетельство высочайшего мастерства и художественной правды.
Жизненный и творческий путь этого замечательного художника был трагичен: от
блистательной карьеры, всеобщего признания, богатства, счастливой семейной
жизни к полному забвению, одиночеству и нищете.
Рембрандт был
ярчайшим представителем барокко, сумевшим выразить в своём творчестве все
противоречия и характерные черты времени.
Характерные черты письма Рембранта (запись
в тетрадь)
- Искусство светотени (едва заметный переход от тёмного к светлому)
- Эффект горящих и тлеющих тонов (свет на лицах,
руках, одежде – растворяется и вновь ярко сияет)
- Контрасты света и тени (подчёркивается цвет, форма, объём, фактура)
- Преобладание золотисто-коричневого, красного и
оливкового цвета
Рембрандт ван Рейн «Автопортрет» (запись в тетрадь)
- Первые годы в Амстердаме были самыми счастливыми в
жизни Рембрандта.
- Состоявшийся в 1634 году брак с Саскией ван
Эйленбюрх открывает перед художником двери особняков зажиточных бюргеров, к
числу которых принадлежал её отец — бургомистр Леувардена.
- Заказы сыплются к нему один за другим; не менее
полусотни портретов датируются именно первыми годами пребывания Рембрандта в
Амстердаме.
- В знаменитом «Автопортрете с Саскией на коленях» он
весело поднимает бокал за здравие всех смотрящих на него зрителей. Он богат,
счастлив и независим.
Рембрандт ван Рейн
«Автопортрет с Саскией на коленях» (запись в тетрадь)
Рембрандт ван Рейн Автопортрет художника у
мольберта» (запись в тетрадь)
С годами
безудержное веселье молодости утихает. Всё чаще художник за работой: с палитрой
или за гравировальным столиком. На нём нет дорогих украшений и богатых парчовых
одежд, он одет в рабочий халат, на голове платок или повязка.
Его мысли и
чувства выстраданы и глубоко пережиты, проницательные глаза обращены к зрителям,
они смотрят нам в душу...
Теперь он не
рассматривает, а изучает себя.
Интроспекция (самонаблюдение) становится главной в его творчестве. На последнем автопортрете - беззубое старческое лицо, перекошенное гримасой смеха. Обращаясь к нам, он словно говорит: «Посмотрите, вот что сделала со мной жизнь...».
Творчество Рембранта «Портрет Яна Сикса» (запись в тетрадь)
«Портрет Яна
Сикса» считается одним из лучших творений художника.
В лице Сикса -
сострадание, искренняя и горькая печаль. Он словно на минуту возникает из
сумрака комнаты.
На его
элегантный светло-серый камзол с блестящими пуговицами накинут ярко-красный
плащ с золотым шитьём.
Чёрная
широкополая шляпа и тёмный зеленоватый фон оттеняют выразительное умное лицо.
Свет пульсирует на его лице, руках, одежде, он трепещет в воздухе, приводя в
движение всё, что находится вокруг.
Он словно
растворяется в осязаемой мгле и вдруг неожиданно вспыхивает, усиливая динамику
изображения .
Творчество Рембранта «Портрет
старушки» (запись в тетрадь)
В «Портрете
старушки» запечатлена старая женщина наедине со своими чувствами и мыслями.
Мы ничего не
знаем о ней, нет в картине никаких внешних деталей, рассказывающих о её прошлой
жизни.
Скупо изображён
скромный наряд – ничто не должно отвлекать зрителей от изображения её лица под
красным бархатным капюшоном.
Именно лицо
становится духовным средоточием картины. Старушка погружена в молчаливое
раздумье, внутрь себя, поза спокойна и свободна. Нет ничего, что бы могло
нарушить её задумчивость, мерное течение жизни, длящееся бесконечно долго...
Творчество Рембранта. Библейская
тематика «Возвращение блудного сына», «Снятие с креста» (запись в тетрадь)
Творчество Рембранта. Техника
офорта.
Рембрандт много
работал в технике офорта. Он покрывал металлическую доску слоем лака и тонкой
иглой наносил на него рисунок. После этого погружал пластину в кислоту,
протравливающую металл в процарапанных местах. Углублённые линии позволяли
затем перенести рисунок на бумагу.
В офортах
Рембрандта проявились новые грани его таланта:
тонкая
детализация, свободный и непринуждённый штрих, максимальная живописность ,
чёткость линий и объёмов, удивительные градации чёрного и белого цветов, таящие
в себе неисчерпаемые возможности использования светотеневой моделировки образов
.
Офорт – разновидность гравюры на металле, техника
станковой графики глубокой печати, позволяющая получать оттиски с печатных
форм
(запись
в тетрадь)
Рембрант ван
Рейн «Автопортрет». Офорт (запись в
тетрадь)
Творчество Рембранта
«Потерпевшие кораблекрушение» (запись в тетрадь)
Единственный
морской пейзаж Рембрандта (ок. 1630 г.) был выкраден в 1990 году из музея
Изабеллы Гарднер и до сих пор находится в розыске.
Популярные жанры живописи в Голландии XVIII в.
В XVII в. в
Голландии популярными становятся жанры портрета и натюрморта, бытовая и
пейзажная живопись, картины, посвящённые мифологическим и библейским сюжетам. (запись в тетрадь)
Особенно
популярна была портретная живопись – индивидуальные и групповые изображения.
Голландские бюргеры - новые хозяева жизни - хотели запечатлеть себя в
представительном облике, свидетельствующем об их материальном достатке и
высоком положении в обществе. Спрос на такие портреты был огромен.
Традиции
группового портрета, сложившиеся на севере страны, восходили ещё к XV в.
Позднее стали заказывать большие полотна, на которых изображались торжественные
собрания различных общин и объединений (стрелковых рот, попечителей больниц и
богаделен, цеховых старшин и учёных обществ).
Подобные
портреты украшали стены ведомственных контор или залы заседаний.
Франс
Халс (между 1581/85 - 1666) «Групповой портрет офицеров стрелковой роты Святого
Георгия» (запись в тетрадь)
Офицеры
стрелковой роты, занятые неторопливой беседой,
чинно восседают вокруг большого стола. На них чёрные мундиры с яркими
шарфами через плечо. Удивительна живописны сияющие белизной гофрированные
воротники и манжеты, сверкают драгоценными камнями эфесы шпаг и длинные древки
алебард.
Перед художником стояла непростая задача: объединить в одной композиции, в максимально сжатом пространстве, 12 фигур! При этом необходимо было сохранить непринуждённость их поз, передать весёлую атмосферу праздничного застолья. Многие офицеры непосредственно обращаются к зрителю взглядом или жестом.
Франс Халс «Портрет молодого человека с перчаткой в руке» (запись в тетрадь)
Замечательны и
индивидуальные портреты, созданные Халсом. В самом заурядном персонаже он умел
видеть интересное и наиболее выразительное.
Один из
современников так оценивал работы художника: «Халс, обладая … особой, необычной
манерой письма, превосходит всех остальных, так как в его живописи заложена
такая острота и жизненность, такая сила, что он во многих произведениях,
кажется, самое природу вызывает на соревнование».
Питер
де Хох (1629-1684) «Хозяйка и служанка» (запись
в тетрадь)
Бытовой жанр. С
одной стороны, художники поэтизировали естественное течение повседневной жизни,
а с другой – стремились к изображению гротескных, острых и живых ситуаций.
Сцены из частной
жизни средних и мелких бюргеров, городской бедноты и крестьянства, празднества
и развлечения, музыкальные концерты, карточные игры «весёлого общества»
становятся излюбленными сюжетами бытовой живописи.
Историк искусства Е. И. Ротенберг отмечал: «Заслуга голландцев состояла в том , что они первыми создали новый, более камерный тип жанровой композиции, выбрав для этого небольшой, так называемый кабинетный, формат. Такой формат, рассчитанный на особый принцип рассматривания и вживания в картину, оказался наиболее благоприятным и эффективным для сцен реального быта…»
Ян Вермер (Вермер Делфтский) 1632-1675 «Служанка с кувшином молока» (запись в тетрадь)
Кисти художника
подвластны как румянец и свежесть девичьего лица, бархатистость кожи, так и шероховатость
старой кирпичной кладки, ярко-изумрудная зелень вьющегося плюща и мерцающие
блики зеркального водного пространства. Под воздействием света краски,
нанесённые на холст, начинают звучать с особой силой и выразительностью.
Вермер был
признанным колористом: сначала он наносил краски густыми и мягкими мазками, а
при завершении работы, едва касаясь полотна тонкой кистью, придавал живость и
изящество чётким формам и резким линиям.
Ян
Вермер (Вермер Делфтский) 1632-1675 «Вид Делфта» (запись в тетрадь)
«Величайшим
магом и волшебником живописи» ещё при жизни называли Яна Вермера (1632-1675).
Позднее, в середине XIX в., его по праву стали причислять к основоположникам
пленэрной живописи.
Ян
Вермер (Вермер Делфтский) 1632-1675 «Кружевница» (запись в тетрадь)
Солнечный свет
как будто ласкает холст, ярко отражаясь на платье и воротничке девушки. На
небольшом формате картины (24 х 21 см) художник сумел передать скромное обаяние
героини.
Ян Вермер (Вермер Делфтский) 1632-1675 «Уличка» (запись в тетрадь)
К подлинным
шедеврам принадлежит картина Вермера «Уличка», на которой изображён типичный
городской пейзаж, вид из окон дома художника.
Беден этот тихий закоулок его родного и любимого города, ставшего для него символом родины. Во всём видны следы трудолюбивых и заботливых рук его жителей: песок тротуара тщательно выметен и разглажен граблями, вымощенное разноцветной плиткой низкое крылечко вымыто до блеска, выбелены снизу извёсткой фасады домов, увитые плющом.
Питер Клас (ок. 1579-ок.1661) «Завтрак» (запись в тетрадь)
В историю
мировой живописи голландцы вошли как непревзойдённые мастера натюрморта (фр.
«мёртвая природа»).
Этому жанру в
голландском языке больше соответствует слово «стиллевен» - «неподвижная жизнь»,
что гораздо точнее передаёт сущность жанра.
«Тихая жизнь
вещей» всегда привлекала голландских живописцев. Но если раньше изображение
предметов реального мира имело чисто символический смысл и своди лось к их
простому перечислению, то теперь оно являет зрителю единый ансамбль, обладающий
скрытым назидательным смыслом.
Питер Клас (1629-1984) сосредоточился на изображении предметов, окружающих человека в реальной, повседневной жизни.
Виллем Хеда (1594-ок.1680) «Ветчина и серебряная посуда» (запись в тетрадь)
Излюбленными
сюжетами становились «завтраки», «десерты», цветочные букеты и аллегорические
композиции.
Со временем
натюрморты превратились в зрелищные и многокрасочные картины, представляющие
собой грандиозные пирамиды из изящной дорогой посуды и экзотических фруктов.
Виллем Хеда предпочитал
писать «Прерванные завтраки», в которых все напоминает о недавнем присутствии
человека (смятая скатерть, перепутанные предметы сервировки, еда, к которой
едва прикоснулись).
Якоб
Рейсдал (1628-1682) «Болото» (запись в
тетрадь)
Популярным в
голландской живописи XVII в. становится
пейзаж. Своеобразие данного жанра и его тематика определялись
особенностью природы этой северной страны - её равнинными просторами и
близостью моря. Художники отказывались от изображения идеальных вселенских
пейзажей. Их интересовала окружающая обыденность, естественность жизненных
ситуаций.
Пейзажи
действительно становятся «Зеркалом Природы».
Пленэр (франц. plein air, буквально – открытый воздух), термин,
обозначающий передачу в картине всего богатства изменений цвета, обусловленных
воздействием солнечного света и окружающей атмосферы. (запись в тетрадь)
Ян ван
Гойен (1596-1656) «На лимане» (запись в
тетрадь)
МАРИНИСТ —
художник, изображающий морские виды. (запись в тетрадь)
Комментариев нет:
Отправить комментарий